ALGUNOS SUPUESTOS SOBRE AKIRA KUROSAWA

por: Elkin Pinto Gamez

Era 1923, pleno desastre por la presencia del gran terremoto Kanto en la ciudad de Tokio un niño de 13 años intenta apartar la mirada de los muertos y el desastre causado por el fenómeno y su joven hermano de 17 años lo toma por la cara y le obliga a abrir los ojos para que presencie su realidad, aprendería entonces el joven Akira a vencer los miedos viéndolos de frente.
Y es que pareciera ser esta enseñanza, esta experiencia vital, la que surca la obra del maestro, en cada secuencia subyace este mensaje al público, por medio de un excelso lenguaje cinematográfico Akira le ha hecho frente a los fantasmas, a los monstruos de la guerra y la injusticia social sin dejar tampoco de atender al ser, la psiquis y las estructuras mas intimas del pensamiento del ser humano, su lenguaje se desliza con finura por el dibujo, pintura y poesía, todo esto integrado a su formación en la academia de artes, este periodo junto con la experiencia de ver a su hermano en el cine como actor de voces forjaron también en el joven Akira una percepción única y de dimensiones filosóficas profundas, además de la apertura que se dio en Japón a la cultura occidental, el permitirle conocer a Shakespiare diseccionaría en su estética un lei motiv constante en el acercamiento a la tragedia. Pero sus apreciaciones hacia la plástica le permitirán una atmosfera llena de pintura y color, de luz y sombras.

Este efecto claro/oscuro de Kurosawa esta presente con firmeza por ejemplo en El Ángel Ebrio, obra que supera las expectativas de cualquier relato personal, dramáticamente exitoso y cuya profunda reflexión al interior de la condición humana esta plenamente definida, en este filme que relucen elementos de valoración ética, aun con cierta timidez pero firme en el argumento, sin embargo sería en filmes como Sueños, Rapsodia en Agosto y madadayo textos fílmicos donde el maestro va a dejar su testamento, su art cinefila si se puede decir, en estas películas están de manera más compacta y evidente sus obsesiones personales, sus inquietudes que había trabajado a lo largo de su obra, estos filmes son la reflexión sobre la guerra, la injusticia social, la explotación y la difusa psiquis humana, tiene además ese carácter de reflexión dado en ellos mira haca atrás, empleando a los personajes de dichos filmes como sus propios alter egos, cargados de la nostalgia y el lirismo de quien evalúa o mejor analiza su vida en retrospectiva.
En los sueños posiblemente el filme más conocido del director, realiza una mirada introspectiva, un auscultamiento del ser que es y nos proyecta su alma o mejor su psiquis, las fobias, los anhelos, las frustraciones y los miedos, en este filme Kurosawa se aventura a trabajar secuencias extremadamente largas pero con una densidad poética de quien conoce el arte en una dimensión verdaderamente integral, en sueños Kurosawa dialoga con el espectador, de forma intima develando su yo plenamente, contándole lo que teme y lo que ama, al mismo tiempo que insta no declinar el intento de corregir los errores del pasado de la humanidad, aun que en la esencia de las secuencias permanece una estela de pesimismo, en una causistica cíclica, la repetición de eventos en distintos momentos hace que Madadayo, por ejemplo, contemple de manera más positiva(no positivista) el futuro de la humanidad, el profesor como formador, alberga la esperanza en enseñar al ser humano a repensarse y crecer éticamente, Kurosawa, de todas formas nos dice que se puede seguir, que la especie humana aun no esta extinta, como dice el profesor ese significado de la palabra Ma Da Da Yo (todavía no).

Algunos Elementos Del Cine De Almodóvar

* Elkin Pinto Gamez .

Debo iniciar confesando que no me agradaba Almodóvar, después de haber visto algunas de sus películas como “Kika”, o “Átame”, ese Pedro, si bien era divertidísimo y satírico, me conducía a un vació de novedad pues recogía elementos bastante agotados de la novelle y del surrealismo, además saturaba en ocasiones de ridículo las pocas alusiones a una imagen – argumento, desapareciendo en lo intrascendente, pero luego de ver filmes como “Hable Con Ella”, “Todos Sobre Mi Madre”, “La Mala Educación” etc. Es imposible que no me sienta conmovido y satisfecho con este ultimo Pedro Almodóvar, mas maduro y consiente del papel del cine en una sociedad globalizada.
El Almodóvar de “Todo Sobre Mi Madre” se derrama en argumentos lucidos y cuando digo argumentos me refiero a los elementos constitutivos del cine como arte, esto es, la imagen, sus planos han cambiado, sus preferencias de construcción escénica y fotográfica han crecido, la frescura de sus ideas se deja acariciar por el espectador; esto no quiere decir que su primera etapa no tuviera calidad estética, de hecho la tiene y de manera muy singular; la recreación de situaciones grotescas, extremadamente melodramáticas durante su primera etapa fue bien desarrollada, temas como el sexo, el odio, el asesinato, las pasiones, entre otros, son los temas que sobre salen en la línea de este director. La forma de tratar estas temáticas es sin lugar a duda producto de una conciencia moderna y más liberada, sin embargo ha de ser ese elemento grotesco, lo que distrae un poco la profundidad de los temas que trabaja.
Pero el Almodóvar que me gusta se atreve aun con más fuerza y seriedad a tratar problemas profundos en la sociedad española, como el caso de la homosexualidad, se atreve a ir en contra de la doble moral de la iglesia católica en películas como “La Mala Educación”, donde trata la pedofilia, el maltrato y la homofobia; se mete con temas actuales y polémicos mezclando historias de amor con tragedias de amor y olvido.
Su estética, que se complementa con la conceptualización de los temas como los colores (el rojo en la mayoría de sus filmes) que intensifican las escenas acompañadas por unos enfoques de cámara extraños y rebuscados. Devela una multiplicidad de personajes, historias de raíz campesina y apariencia kitsch que reafirman sus habituales obsesiones sexuales, socioculturales y religiosas, mostrando también una distintiva perspectiva de las costumbres y tradiciones españolas, extendiendo su propio universo a diversos géneros, tocando un poco de todo, la comedia negra, el melodrama, el thriller o el drama social, la sátira y la comedia, hasta vemos cosas de fotonovelas, comics y revistas femeninas. Es un loco… genial. De alguna manera Almodóvar, el último Almodóvar pone en crisis el cine de su tiempo.
Ya en su etapa madura podemos ver como conjuga la música, el teatro, la danza y otras formas de arte como la pintura, -aunque algunas han estado presentes en su etapa temprana- de magistral forma, haciéndolas parte fundamental del relato fílmico y no meros adornos superfluos y decorativos. “Hable con Ella”, es un magnifico ejemplo de esto, el equilibrado manejo de las líneas dramáticas en cada una de las partes, la prelación de una sobre la otra en secuencias completas, donde cada arte narra su parte pero sin deslindarse del conjunto, es muestra de la temeridad con que Pedro acoge un universo simbólico denso para transmutarlo en metáforas visuales, incluso la música toma imagen en esta bella película.
Otro elemento particular de Almodóvar, es su intima unión con la mujer; cuando uno sigue la filmografía de este director logra encontrar sin ninguna dificultad el matriarcado que se teje, la exaltación de lo femenino en sus múltiples facetas, de hecho sus personajes en su mayoría son femeninos. Pero lo que más sobresale en este punto es la figura de la madre; bien como protagonista, ya como papel secundario, incluso a veces de extras, la madre es evidenciada en distintas facetas, desde distintos puntos de inflexión, desde múltiples tragedias y desventuras, acercándonos a un conjunto de madres de diversas condiciones. Así, tenemos a un Almodóvar sensible ante el problema de género y que además reconoce el sometimiento al que la mujer fue sometida durante tantos siglos y lo hace planteándose a favor de la reivindicación, lo hace desde su experiencia también, como podemos escucharlo de sus palabras “en una zona árida y machista, el hombre reinaba desde su sillón orejero mientras que las mujeres solucionaban realmente los problemas, en silencio, teniendo muchas veces que mentir para ello, y a base de mentiras conseguían evitar más de una tragedia” Y es fácil seguir este rastro en nuestro cineasta, en “Laberinto De Pasiones”, vemos la presencia de varias mujeres; encontraremos madres ausentes, madres en potencia, hasta una mujer que quiere ser madre por procedimientos artificiales (que quiere un bebé probeta);

Otro rasgo mas bien obsesivo es la utilización del rojo, pero además de el azul y amarillo; pareciera que determinara para el rojo un rasgo meramente subjetivo, ligado a lo pasional, a lo lujurioso, violento, trágico, y hasta nefasto, de manera que todas las mujeres de sus filmes utilizan el mismo color rojo, y en ocasiones el mismo vestido y esto es fácil de constatar. El azul se halla también pero ya como elemento de ambiente, muchas veces como fondo del rojo para ayudarlo a resaltar, lo mismo con el amarillo, pero en elementos y objetos, creando así, una atmósfera particular, pero también una firma propia. Lo colores de Almodóvar. No cabe duda que sea uno de los directores más inteligentes de la actualidad, y posee una estética exquisita, con la que trata los temas de una forma sencilla, pero sustancial, y que ha mostrado su maduración pasando de lo simple a lo trágico y dramático y también tragicómico de una manera concreta pero elevadamente artística.

Ahí les dejo el link de su blogg.
http://www.pedroalmodovar.es/PAB_ES_13_T.asp

PAPELES ABIERTOS: Apuntes a la pregunta del misticismo en Hector Rojas Herazo.

Por. William Guillermo Jiménez. Valledupar 29 y 30 de Abril 2009

Hablar de un misticismo en Héctor Rojas Herazo es negar su determinación ontológica de ubicar lo poético en el orden del ser. Si bien es cierto, y no los recuerda Landa, hay un halo de misterio rodeando la poesía: “desde luego, “misterio” puede querer decir muchas cosa, pero en general es una palabra que refiere inmediatamente una dificultad e incluso una imposibilidad de conocer aquello lo que está relacionando.” En Herazo conocemos ese supuesto misterio: la búsqueda y encuentro del origen del hombre, del paso del existir pudriéndose día a día el hombre en el tiempo, de la soledad y la angustiosa culpa de saberse hombre, de que Adán y Caín son solo hombres biológicamente hombres manchados de polvo y hechos como todos de barro, sangre, hueso y frio clamoroso de muerte. “Estás solo, / biológicamente solo, / anterior a los padres/ en la satisfacción de tus miembros frente la lluvia. / Rodeado de substancias estrenadas por tus sentidos. / (…) Tú, anterior a ti mismo, / sin nombre con que indagar llamadas en el viento. / por tus órganos sube el instinto / y empuja tus células al sol, a la brisa, porque tus cabellos están firmes / e ignoran el peso y el destino de las piedras.”
Si para Platón -gran místico y teólogo- la poesía es condenada por separarnos del alma y adentrarnos en “la locura del cuerpo”, lo sensible y lo material; si la poesía platónica o en su defecto mística es cantarle a lo bellamente divino del alma, a lo eterno de los dioses, a las apariencia, Rojas Herazo golpea duro con soga y palo y desoculta al hombre y a las cosas de esos velos divinos y eternos, desnudándonos lo misterioso de lo místico, si hay un dios es uno mas humano y perteneciente a ti, mostrándonos las vísceras que cuelgan a cada paso cansado trazado por nuestra angustia, del ser y la nada que nos habitan, de saber el hecho de la muerte y no habitando ese mas allá en un mundo de ideas falaces por sus espejos eternos, la ruina y el despojo material de nuestra sangre de ser hombres y saber la nada: “ay, hijos míos, / los amados mendigos/ por mi olfato concebido hasta la altura del ruiseñor /y el asombro del día. / venid y enlazaremos el ávido musgo a la loza / y juntaremos hueso y piel, / labio y mejilla / con el calor de nuestra arcilla meritoria.” (…) “y me voy a morir-tú bien lo sabes-/ a morirme de barro bien usado, / a morirme de risa repentina /de risa de estar vivo como un hombre.” (…) “esto soy, no más, esto que mira/ sufrir aprisionado en el vacío: / una mezcla de sangre, hueso, y nada, / de agua sedienta y clamoroso frío.” Vemos claramente una urgencia poética de retornar al hombre, al cuerpo, a la tierra, al patio, a la infancia para descubrirse como tal en el poema.
Me permito citar a García Usta igualmente poeta y gran exaltador del trabajo de Rojas que en algún tiempo fue marginado por la tradición de la poesía colombiana y por la podredumbre erudita de la época: “entre los libros rostro en la soledad y transito de Caín, la poesía de Rojas se concentra en la revelación y el padecimiento de un destino individual: el del hombre como un Caín abandonado a la purgación de su soledad y su desdicha, inexorablemente atado a un destierro interminable, no extinto de júbilo.” Muchos arquetipos ha dado la literatura y el hecho de metamorfosear algunos pertenecientes a la mística, no te hace ser un poeta a la usura del misticismo, cerrando estos personajes al sufrimiento, sin evasión. Con la persistencia de la carne y el miedo del hombre por la soledad y los caminos de la esperanza están enmarcados estos poemas.
Por lo tanto María Zambrano nos plantea que a la mística no le interesa conocer, tampoco descubrir el ser de las cosas, sino persigue supuestamente recobrar la naturaleza humana, rescatar el alma. Al contrario vemos en Rojas Herazo-como tanto lo hemos dicho-la preocupación metafísica de saber el ser del hombre, de retornar al él saber su origen de barro, hueso y sangre, si Heidegger dijo que la pregunta esencial para la filosofía era: “¿Por qué es el ente y no mas bien la nada?” hallamos esa cuestionamiento en el hombre Rojas, de decir que la historia de la metafísica es una historia que atraviesa lo poético, de preguntarnos por la poesía buscando los caminos del ser y los entes los orígenes para bucear los espacios del lenguaje. No podemos decir que Rojas Herazo es un místico, sin haber ninguna experiencia vital de unión a Dios, o un encuentro con la transcendencia divina de éxtasis espiritual, al contrario vemos el afán de mostrar la decadencia productos de los perjuicios de lo religioso por prohibir nombrar el cuerpo. Hector desde la luz preguntó por nosotros.

RECORDANDO A BENEDETTI.

Elkin Pinto Gamez

“Cuando tengo una preocupación, un dolor o un amor tengo la suerte de poder transformarlo en poesía”, afirmaba el poeta

La poesía del aquí y ahora, es la poesía de Mario Benedetti, la que le canta al americano desde su América, desde sus desangros y sus dictadores y dictaduras, desde sus engañosas incivilizaciones. Desde la cotidianidad del amor y la muerte desde esos lugares o (no lugares) nos habla la poesía y la narrativa de ese amigo, ese “Caso perdido” como el mismo se decía, siempre esperando que la vida llegar con nuevas señales, distinta, de otra manera a esta América.

Se me ocurre que vas a llegar distinta

no exactamente más linda ni más fuerte

ni más dócil

ni más cauta tan solo que vas a llegar distinta

Benedetti asume su condición de hombre político y poeta político y esteta político, porque no concibe de otra forma la vida, sabe que la unidad de esos elementos son los que permiten desarrollar una vida integra, y enfrentar a los demonios de la injusticia contra la que todo ser toma armas, “a enemigo que huye, puente de lata” Mario nunca intento refugiarse en cantos a dioses y monarcas, la metáforas se desplazan como puñales en las conciencias del culpable y como chasquido ante los incautos,

…ver que el dinero forma un cerco alrededor de tu esperanza sentir que otros los peores entran a saco por tu sueño
… y ver que un día pobre diablo ya para siempre pordiosero poquito a poco abres la mano
y nunca más puedes cerrarla.

Una renuncia a la indefinición, como diría S. Rodríguez, un necio, que iba de frente contra los arrepentidos mendigos del imperialismo.

…digamos por ejemplo que una campana suena a lo lejos mansa y purifica el diálogo y se queda como el sol en las copas de los árboles
a pesar del calor el horizonte se pone su bufanda y unos pájaros sueltos y agilísimos la recorren y no son golondrinas
nada de eso es el imperialismo

Mario, fue la voz de lata y campanas llamándonos a todos y a cada uno a pensarnos americanos, propios y libres.

Un Padrenuestro Latinoamericano

Padre nuestro que estás en los cielos

con las golondrinas y los misiles

quiero que vuelvas antes de que olvides

cómo se llega al sur de Río Grande

Pdre nuestro que estás en el exilio

casi nunca te acuerdas de los míos

de todos modos dondequiera que estés

santificado sea tu nombre

no quienes santifican en tu nombre

cerrando un ojo para no ver las uñas

sucias de la miseria

en agosto de mil novecientos sesenta

ya no sirve pedirte venga a nos el tu reino

porque tu reino también está aquí abajo

metido en los rencores y en el miedo

en las vacilaciones y en la mugre

en la desilusión y en la modorra

en esta ansia de verte pese a todo

cuando hablaste del rico

la aguja y el camello

y te votamos todos por unanimidad para la Gloria

también alzó su mano el indio silencioso

que te respetaba pero se resistía

a pensar hágase tu voluntad

sin embargo una vez cada tanto

tu voluntad se mezcla con la mía

la domina

la enciende

la duplica

más arduo es conocer cuál es mi voluntad

cuándo creo de veras lo que digo creer

así en tu omniprescencia como en mi soledad

así en la tierra como en el cielo

siempre

estaré más seguro de la tierra que piso

que del cielo intratable que me ignora

pero quién sabe

no voy a decidir

que tu poder se haga o se deshaga

tu voluntad igual se está haciendo en el viento

en el Ande de nieve

en el pájaro que fecunda a la pájara

en los cancilleres que murmullan yes sir

en cada mano que se convierte en puño

claro no estoy seguro si me gusta el estilo

que tu voluntad elige para hacerse

lo digo con irreverencia y gratitud

dos emblemas que pronto serán la misma cosa

lo digo sobre todo pensando en el pan nuestro de cada día

y de cada pedacito de día ayer nos lo quitaste

dánosle hoy o al menos el derecho de darnos nuestro pan

no sólo el que era símbolo de Algo sino el de miga

y cáscara el pan nuestro

ya que nos queda pocas esperanzas

y deudas perdónanos si puedes nuestras deudas

pero no nos perdones la esperanza

no nos perdones nunca nuestros créditos

a más tardar mañana saldremos a cobrar

a los fallutos tangibles y sonrientes forajidos

a los que tienen garras para el arpa

y un panamericano temblor

con que se enjugan la última escupida que cuelga de su rostro

poco importa que nuestros acreedores perdonen

así como nosotros una vez por error

perdonamos a nuestros deudores

todavía nos deben como un siglo de insomnios

y garrote como tres mil kilómetros de injurias

como veinte medallas a Somoza

como una sola Guatemala muerta

no nos dejes caer en la tentación de olvidar

o vender este pasado

o arrendar una sola hectárea de su olvido

ahora que es la hora de saber quiénes somos

y han de cruzar el río el dólar y su amor

contrarrembolso arráncanos del alma

el último mendigo y líbranos de todo mal de conciencia amén.

Del Cine Animado

por. Elkin Pinto Gamez

Biblioteca Dptal Rafael Carrillo Luquez

Para muchos el cine de animación es una cosa de niños, puede ser porque esta relacionado directamente con sus años de infancia, esto es natural pero no necesariamente debe restringirse a este campo. Si tomamos en cuenta que la animación es casi tan antigua como las técnicas de producción cinematográficas que conocemos. Lo que se conoce como animación es algo más que dibujos, que se mueven bajo un orden lógico y conceptual; la animación, esencialmente, es una de las formas más creativas de una rama del dibujo. Gracias a la desarrollada tecnología existen métodos y técnicas distintas para manifestar este arte. Sin embargo, este viene desarrollándose a la par con el crecimiento artístico de los hombres. Para evidenciarlo basta recordar la historia misma del arte los antecedentes en las cuevas de Altamira y los murales en la cultura egipcia donde los dibujos están secuenciados mostrando una acción por cuadros, también en algunas artesanías griegas donde se grafican los juegos olímpicos y se muestran secuencias de movimiento de un individuo. Esto ya es un antecedente claro de la animación, es decir de la búsqueda de movimiento en los objetos. Pero ya en nuestro tiempo encontramos el avance de este propósito, recordemos el Taumtropo, experimento con el que se pretendía demostrar la insistencia de la visión, es decir como el ojo puede secuenciar imágenes estáticas y percibir de ello movimiento, es entonces uno de los intentos de animación. Dos pioneros en el desarrollo de maquinaria, que después sería usada para animación, son Plateau y Ritter, quienes construyeron el fenaquistoscopio. Peter Roget (1824) The persistence of vision with regard to moving objects (La persistencia de la visión respecto a los objetos en movimiento) en la British Royal Society; este invento daba una ilusión de movimiento mediante dos discos giratorios. El siguiente paso fue en 1834 con el invento de Plateau, el zootropo, desarrollado luego por Horner. Cincuenta y tres años más tarde, Thomas Edison comenzó su investigación sobre las películas animadas, producto de ello, dos años después, hizo el anuncio sobre el nuevo aparato capaz de proyectar 50 pies de film en aproximadamente 13 segundos: el kinetoscopio. Ese mismo año, George Eastman comenzaría la manufactura de rollos de película fotográfica usando una base de nitro-celulosa.

¿Qué es un dibujo animado? En los tiempos en que la animación era tradicional, podíamos decir que se trataba de una sucesión de ilustraciones rodadas fotograma a fotograma. Hoy podemos ampliar la definición, y hablar de un elemento estático, sea éste un dibujo, un muñeco o una imagen computerizada, es combinado con otros en sucesión coherente, de forma que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capta el proceso como un movimiento real. ¿Un tecnicismo? No lo crean.

GUZMÁN URRERO 30 de octubre de 2007

Entonces existe una línea gruesa que une al comic, el cine y el anime y es la condición secuencial que los caracteriza, el cómic y el cine quedan vinculados tanto en lenguajes como en estrategias narrativas. Sin embargo, “el procedimiento fílmico que más se aproxima al tebeo (y por tanto a su fórmula más próxima, la fotonovela) es el cine de dibujos animados” como en la caricatura en la animación corresponde a cada fotograma un plano, un recuadro por decirlo de alguna manera y en cada uno una acción que conserva una lógica que viene del otro movimiento, así, cuando se rueda en velocidad lo que apreciamos es la unión lógica de cada fotograma con el otro generándose la sensación de movimiento. Démonos cuenta que la animación no está privada de sentido adulto, posee narrativas audaces y bien estructuradas, en la actualidad la animación digital ha alcanzado niveles competentes de realismo, aunque hay quienes prefieren menos realismo en la técnica y valoran el despliegue de la historia. Este es el caso de filmes como Persepolis, o vampiros en la habana o también las películas de Hayao Miyazaki, reconocidas por su tratamiento de la ecología. Estas películas no carecen de contenido, están llenas de crítica social y política, elemento que no deben perderse en ningún film. Atrevámonos a ver este cine ganaremos una nueva perspectiva del mundo cinematográfico.

DE LA MUERTE EN EL CINE Y EL SEPTIMO SELLO

Elkin Pinto G.
Cineclub Avenida 35
Biblioteca Rafael Carrillo Luquez



“Y los siete Ángeles que tenían las siete trompetas se dispusieron a tocarlas.”
Apocalipsis 8,6

La muerte siempre ha acompañado al hombre en las preguntas fundamentales, incluso las que este se formula por la vida, inherentes por una relación de equilibrio, nadie puede escapar de ella. Algunos autores se han imaginado las mas distintas muertes que han podido, se le ha dibujado de todas las formas posibles, desde la mas bella mujer hasta el mas horrendo espanto; los poetas, Rilke -en su soneto a Orfeo-, Quevedo, Charles Baudelaire y el gran poeta peruano Vallejo, entre muchos grandes, le han cantado a la muerte; los pintores y los filósofos le han dedicado su esfuerzo, es en realidad un tema universal, y el cine no podía dejarlo por fuera. Junto a la muerte se piensa por lo general causa, castigo, consecuencia, dolor, soledad, descanso (si ha sido bueno) o descanso solamente, en el caso de los fatalistas.

El cine se ha dado la tarea de plasmar durante sus años de existencia la visión de la muerte que cada cultura posee, y según el momento que los cánones bien sean religiosos o estéticos dictaminen. esto sin lugar a dudas es uno de los mayores logros imaginativos del séptimo arte en cuanto a la forma se refiere, dado que en la inmensa variedad de imágenes siempre los directores se ven obligados a transformar esta figura que podemos afirmar como una de las obsesiones del cine.

Mientras nuestras tradiciones propenden por la conservación de una imagen fija e inamovible de la muerte, que se ha ido trasmitiendo de padres a hijos en las distintas sociedades, el cine ha logrado generar otros estereotipos lo cual es una propiedad lógica de este arte, y desmontar en muchas ocasiones las formas que nos figuran las narrativas de otrora. Este recorrido parte desde esas formas ya establecidas por la cultura, y sin embargo su transformación, la de la muerte, está ligada a los grados de perfeccionamiento de las herramientas con que se cuenta en una época, el grado de abstracción artística, filosófica y científica de la sociedad que la representa.

Uno de los mejores filmes donde nos hemos aproximado con espasmódica atención a esta figura ha sido la inolvidable película del alemán Friedrich Wilhelm Murnau , “Nosferatu” protagonizada por Max Schreck (Orlok [Drácula]), donde el poder del gesto, mantenido siempre en el rostro de Schreck genera una tensión lo suficientemente fuerte para no olvidar; aquí la muerte trasciende lo físico, y la ornamenta tradicional de corte naturalista para manifestarse como algo existencial, como una enfermedad, tomando un fondo expresionista generando puro dolor, ausencia de vida en movimiento, el silencio que no habla sino que grita en los nervios y ese grito se plasma en la palidez y la podredumbre el cuerpo.

Si la muerte se había transfigurado en los hombres como un ente cuya desproporcionalidad se alejaba de lo humano y además se encontraba en los abismos interiores del hombre, Bergman, lo relacionará con el temor interior que la religión ha infundado en la sociedad con respecto al pecado, y además formula en su colérica estética las preguntas sobre la presencia o la ausencia de la contra parte, dios.”Mi indiferencia me ha alejado de todo. Vivo en un mundo de fantasmas, soy un prisionero de los sueños. Quiero que dios alargue su mano, muestre su rostro y me hable. Reclamo su presencia desde la oscuridad pero nadie responde” Este planteamiento que es una pregunta no resuelta por el autor, le ubica en el llamado “cine de autor” cine que no se genera como mero entretenimiento, sino que interroga, cuestiona, y en ocasiones afirma. Pues bien, Bergman nos muestra una muerte más antropomórfica, cuyo objetivo es no responder, sino culminar, pero dejando ese interrogante perpetuamente irresuelto, cuando miramos este filme nos damos cuenta de que en una respuesta que la muerte (Bengt Ekerot )le da al caballero templario Antonius Block (Max Von Sydow), cuando le dice “Hace ya mucho tiempo camino con tigo” es la sensación de la muerte moderna, que habita en las habitaciones de todo los hombres, en el tiempo que es la casa que compartimos con el lenguaje.